《艺术的公共话语》重磅推出，王绍强、吴洪亮、李翔宁、金江波、隋建国、焦兴涛联袂推荐！

　　艺术如何参与公共领域的构建？又如何在公共性中实现自身？本书作者从多个角度给出了常识性的解答。

——高世名（中国美术学院院长）

《艺术的公共话语》（订购）

姜俊

上海人民美术出版社

2022年8月出版

　　在长期影响中国大众艺术普及教育的译著《艺术的故事》中，奥地利裔的英国艺术史家E.H.贡布里希认为艺术的故事是艺术家的故事。这一说法对于艺术的大众普及毋庸置疑，但它只是说了整个“艺术的故事”的前半段——艺术生产和艺术创作。它的后半段，也是最为重要的部分，那就是艺术的接受、欣赏和赞助。

　　德国哲学家马丁·海德格尔在写于1935年的名篇《艺术作品的本源》中声称，艺术作品将向观众开启一个“世界”，但这需要艺术的保存者，即艺术的欣赏者。我们完全不能想象一种只有生产而没有欣赏的艺术。

　　海德格尔认为，作为物的艺术作品只有面对保存者（欣赏者），作品才得以成为作品，作品中的那个“世界”，以及其后的真理才得以发生。当保存者不在，那么作品中那“被创作的东西也将不能存在”，并丧失了其作品性。这就应和了《列子·汤问》中“子期死，伯牙绝弦，以无知音者”的典故。

　　20世纪60年代德国康茨坦斯学派的学者汉斯·罗伯特·尧斯（Hans Robert Jauss）也提出了类似的观点。自此他开创了美学上的范式转型——“接受美学”。与关注艺术创作的“生产美学”不同，“接受美学”的核心就是从受众出发，从作品的接受出发。尧斯认为，作品在没有被阅读之前只是一件半成品；只有当它被人阅读，并进入讨论和批评，作品才得以成立，形成了一个完整的循环。在盎格鲁撒克森的学术讨论中，“接受美学”可以被称为“reader-response criticism”（读者反应批判理论）。

　　从“接受美学”的视角看，艺术作品的意义正是在欣赏和阅读中被建构出来，并且它不是个体性的，而是群体性，或者说是互主体性和公共性的。只有进入到观众和读者的公共欣赏和阅读之中、在公共讨论、竞争和互相的批判之下，艺术作品的意义才得以逐渐确立，获得一定的共识。但它并不稳定，因为面对着一代代新的观众和读者，作品会被不断地重新观看、阅读、批判和诠释。在不同的历史语境和地域文脉中作品的意义也将发生相应的变化，甚至获得了截然相反的理解。这一切都重新构造了艺术作品的意义，并不断创造着新的传统。

　　而在艺术作品和公众（艺术欣赏者和潜在的欣赏者）之间，艺术写作扮演了一个桥梁的角色。它的基础正是在于从“观众”和“读者”的视角出发，引导广大的公众以自己的方式打开一扇通往艺术作品背后的那个“世界”的大门，或海德格尔意义上“真理”，从而在公共的对话、讨论和批判中看到艺术的意义。因此我才将这一自选集取名为“艺术的公共话语”。其中的文章都源于我2016 年至今在网络媒体上发表的写作。它们都有着自己的时间、自己的地域、自己的情景和自己的问题意识，以及在其间的读者们。我将其理解为在特定时间段上的“关于艺术的话语”。它们无疑也形成了众多话语之中的一部分，并为构建公共做出自己微薄的贡献；同时每一个被我所书写的艺术作品也正是在被讨论、被言说、被批评中逐渐诞生出关于它们自己的公共话语。

　　——节选自《艺术的公共话语》《自序》，姜俊

　　作者介绍

　　姜俊，同济大学建筑与城市规划学院博士后；独立策展人，艺术批评家。毕业于德国明斯特艺术学院，后获得中国美术学院艺术学博士，专注于公共艺术研究，以及当代艺术和城市治理的跨界融合。

来源：上海人民美术出版社